Parte de la carrera es hacer logotipos, imagotipos, isotipos, isologos y la verdad es algo que me gusta mucho hacer, así que les presentaré alguno de los que he hecho.
TransformADOS
Este logo se creó para un grupo de la iglesia de adolescentes, se tenía al nombre pero no se acordaba el diseño y este fue el resultado final elegido por el cliente.
I AM
Este logo fue para un retiro de otro grupo de adolescentes, se ayudo al cliente a tener el nombre en base al tema del retiro y se le mostró varias propuestas, llegando está a ser la final. Dicho logo se usó en playeras, termos, publicidad digital y tarjetas.
Vida y Muerte
Logotipo para una tanatologa, cumpliendo con sus requerimientos: mariposas, negro, morado.
Gamer
Este fue pedido por un cliente que buscaba formalizar su canal en twitch. Igual se le preguntó lo que buscaba: mascará de gas con cristal roto en blanco y negro con algo de rojo incluyendo el nombre de usuario.
Sinceramente siempre batallé en la escuela para aprender la diferencia de cada uno ¿cómo aprendérmelo?, y es algo que todo diseñador, mercadólogo debería saber y yo sé los quise hacer más simple, pues con imágenes aprendo mejor y con ejemplos, espero les sea útil.
¿Sabían que?… Cada temporada, el equipo de Pantone crea el Pantone Fashion Color Trend Report, un resumen general de los colores destacados por los principales diseñadores de moda en la NY Fashion Week que estarán presentes en sus colecciones para la próxima temporada. Sin duda, el color de la pasarela es un indicador clave de las historias cromáticas que podemos esperar ver en todas las áreas del diseño. Es lo más esperado y lo que se estará hablando en diseño de moda.
Esta vez, los tonos de moda contienen mucha creatividad. En la paleta había un lugar para el «pavo real rosa», y «el tallo del pimiento» e incluso la «princesa azul».
Los colores de moda de la temporada de primavera-verano 2019 son una paleta que inspira confianza y vitalidad, energía y coraje. Los tonos alegres crean un amplio campo para la creatividad.
«La primavera-verano de 2019 refleja nuestro deseo de afrontar el futuro con colores estimulantes capaces de proporcionar confianza y ánimo; colores que resulten motivadores; tonos alegres que conduzcan a un expresionismo lúdico y nos lleven por una ruta de combinaciones creativas e inesperadas.»
Pantone Color Institute
1. Fiesta.PANTONE 17-1564 Fiesta – NYFW
2. Jester Red – Bufón rojo. PANTONE 19-1862 Jester Red – NYFW
«En la moda diaria siempre existirá la necesidad de matices neutros. La paleta básica de los colores clásicos de la temporada primavera-verano 2019 funciona bien por sí misma y como base para crear contrastes de color.»
4. Brown Granite – Granito marrón. PANTONE 19-0805 Brown Granite -NYFW
Estoy fascinada como es que tienen tanta variedad de colores, son todos hermosos, coloridos y elegantes, si podría vestiría toda esta temporada así, ¿no consideran son hermosos? es increíble que sacarán tantas gamas.
Y no solo podemos usarla en la ropa, podremos buscarlo en el diseño, saldrían nuevos y frescos diseños hoy en día.
El arquitecto alemán Mies Van Der Rohe formuló la máxima definición del minimalismo en la frase “Menos es más”. El diseño minimalista pretende eliminar elementos que sobrecarguen la comunicación, elimina colores, formas y texturas pesadas para la vista. Su principal propósito es hacer que sobresalga el contenido y llevar a lo básico de la pieza tratando de evitar cualquier distractor.
Un diseño minimalista pone el foco en el contenido.
Siendo así, veamos algunos de los ejemplos fantásticos en los que el diseñador decidió darle foco al contenido:
Será fácil evidenciar en los siguientes ejemplos una economía en el lenguaje, austeridad y foco en la funcionalidad, orden, sencillez, abstracción total. Parece que las obras operan sólo en términos de color, superficie y formato.
Hello! Hello! Hace mucho que no saludo pero la verdad he estado consumida por un buen de cosas, trabajo, universidad y tratar de llevar una vida social que pff es un rollo, pero les traigo esto que encontré por ahí que me resulto muy interesante y la verdad me gusto mucho; en mi opinión todo diseñador debería saberlo!
“Una tendencia nunca surge solo para un año y luego se esfuma en una nube de humo. En cambio, una estética se vuelve popular de manera gradual, incluso misteriosa, con el paso del tiempo antes de esfumarse lentamente sin notarse demasiado.”
– Madeleine Morley en El Instituto Estadounidense para Artes Gráficas
Las tendencias de diseño que cubriremos aquí no se materializaron mágicamente; las tendencias tienen un momento culminante, y es bastante probable que hayas visto muchas de ellas durante los últimos años.
Pero incluso si no eres alguien que siga las tendencias, como un diseñador, es prudente estar consciente de los cambios que ocurren en tu industria – aunque solo sea para evitarlas antes de que se vuelvan trilladas, o para tener la oportunidad de convertirlas en algo nuevo e interesante.
Si bien predecir las tendencias con alguna certeza es un trabajo complicado, muchos miembros de la industria del diseño parecen haber llegado a un consenso sobre qué estilos y enfoques tienen una mayor probabilidad de prosperar.
01. Estilo Retro “Moderno”
Al contrario de lo vintage o retro “antiguo” – estilos basados en la década de los años de 1900 hasta los 60 – el retro “moderno” toma sus influencias estilísticas de décadas más recientes, finales de los años 70 hasta los 90. Piensa en las primeras computadoras y videojuegos, arte de pixeles y temas espaciales: ser nerd es la nueva moda.
Veamos algunos ejemplos:
Este diseño de ilustración y de camiseta por Ralph Cifra tiene todo tipo de nostalgia. El tema tecnológico también combina bien con las influencias retro modernas.
Después de los iconos, de los que hablamos la semana pasada, los clip arts y los dibujos vectoriales forman parte de la lista de recursos con que cuenta un diseñador. Aunque en el pasado ha habido cierto abuso de ellos, hoy en día los hay de muy buena calidad, y bien utilizados, son muy prácticos y permiten crear contenido gráfico interesante y original. Siguiendo con las listas de recursos para diseñadores que empecé con plantillas PSD gratuitas, en esta ocasión me he centrado en páginas en las que encontrar clip arts y vectores gratis para tus creaciones, aplicaciones o páginas web.
Freepik: Empezamos con un viejo conocido, pues además de vectores y clip arts, Freepik tiene en su colección fotografías de archivo, plantillas PSD e iconos. Respecto a los vectores, encontrarás multitud de categorías para usar en tus propios diseños, además de etiquetas y un buscador para encontrar dibujos vectoriales concretos. Una vez encuentras lo que quieres, tienes la posibilidad de descargarlo o compartirlo a través de redes sociales como Google+, Facebook, Twitter o Pinterest. En general, el material que encontrarás es de muy buena calidad.
Vectorizados: Un portal especializado en dibujos vectoriales en españoldonde encontrarás vectores gratis de todo tipo. Cuenta con un buscador muy práctico, y en la parte inferior de la página encontrarás las categorías disponibles, como Elementos web, Marcos, Fondos o Dibujos.
VectoresGratis: Como su nombre indica, en esta página encontrarás vectores gratis de gran calidad y de temáticas muy variadas. Su diseño no es lo mejor que tiene, ya que para acceder a las categorías tendrás que buscar en la columna derecha entre varios espacios publicitarios. Sin embargo, hay muchas categorías, todas en español, y tiene un buscador, que encontrarás debajo de las categorías.
Vecteezy: Si buscas vectores gratis, una opción a tener en cuenta es Vecteezy, con colecciones de dibujos vectoriales profesionales. Como en los casos anteriores, para encontrar lo que buscas dispones de buscador, categorías y etiquetas. Además, esta página tiene su propio blog con consejos, ofertas y novedades interesantes en cuanto a clip arts y vectores.
Free Vector: Otro espacio con vectores gratis, además de muchos otros recursos para diseñadores, como tutoriales, entrevistas a profesionales, etc. Entre los dibujos vectoriales encontrarás también fuentes, fondos y botones para tu página o programa.
Classroom Clipart: Esta página alberga aproximadamente 100.000 clip arts y fotografías para su uso educativo por profesores y alumnos. Hay infinidad de categorías y cuenta con buscador, está muy escondido. Una vez encuentras lo que andas buscando, puedes descargar el clip art en formato PNG, GIF o JPG, en caso de estar disponibles esos formatos.
Clker: Otro práctico repositorio de clip arts y vectores gratis donde encontrarás también fotografías de stock. Tiene categorías y buscador, y entre sus ventajas destaca su editor integrado para añadir o quitar elementos a un clip art directamente desde el navegador web.
Isaac Newton es mundialmente reconocido por crear el primer círculo cromático en 1706. Según la historia, Newton tomó el espectro de colores producido cuando la luz atraviesa un prisma (rojo, naranja, amarillo, verde, azul, índigo y violeta) y los ordenó en un círculo segmentado. Al girar rápidamente el círculo en un disco rotativo, los colores se mezclaban y se convertían en blanco a la vista del ojo humano.
A continuación, podrás darte una idea de cómo apareció el círculo cromático de Newton. Esta versión de 1708 fue ilustrada por un pintor francés, llamado Claude Boutet, y hace referencia a la investigación de la teoría del color de Newton.
2) Línea
Las líneas no solo son separadores. Las líneas adecuadas pueden implicar movimiento y emociones, lo que permite unificar una composición y lograr una apariencia profesional.
Rikard Rodin, diseñador gráfico y blogger con más de 15 años de experiencia en el área del diseño, explica que las líneas pueden formar la arquitectura subyacente de un proyecto. La definición de una línea de movimiento en una composición antes de comenzar puede ayudar a crear un diseño que realmente refleje el ánimo deseado.
“Puedes usar las líneas de ánimo en prácticamente todos los elementos de tu diseño”, escribió Rodin en su blog. “O bien puedes contraponer líneas de diferentes ánimos en distintas partes de tu diseño para crear un diseño con más capas. Considera, por ejemplo, la línea de ánimo ‘ESTABLE’. Puedes usarla para determinar la disposición de elementos. Puedes usarla en la fotografía. Y además, puedes usarla en la selección de fuentes”.
Las líneas de ánimo no tienen que verse en la composición final, sino que pueden ser una simple guía que estructure y oriente tu trabajo. Por supuesto que las líneas también se pueden incorporar visiblemente en el diseño final.
3) Escala
La escala de los diferentes elementos de un diseño ejerce un gran impacto en la forma en que el público ve y le encuentra sentido a una composición. Al jugar con el tamaño relativo de los diferentes componentes de un diseño, se puede definir un punto de foco, resaltar áreas importantes y, en última instancia, guiar la mirada de los espectadores en el recorrido de la obra.
La escala no es exactamente lo mismo que el tamaño (aunque muchas personas tienden a usar estos términos indistintamente al hablar de diseño, como cuando piden “hacer un logotipo más grande”). El tamaño hace referencia a una medida absoluta (por ejemplo, la hoja de papel de 8 pulgadas por 11 pulgadas), mientras que la escala hace referencia a la relación directa entre los elementos de un diseño (por ejemplo, el círculo es dos veces más grande que el cuadrado).
Se puede usar la escala para crear una jerarquía visual para un diseño. Cuando se muestra un elemento en una escala relativamente más grande que otros elementos de una composición, nuestra mirada se dirige naturalmente hacia allí.
4) Forma
Las formas no son solo para los alumnos de preescolar. Una forma se puede explicar en líneas generales como cualquier cosa que está definida por límites. Hay dos categorías de formas que se deben considerar: las formas geométricas, que se definen en proporciones uniformes perfectas (como un círculo, un cuadrado o un triángulo) y las formas orgánicas, que tienen bordes menos definidos y proporciones fluctuantes y, esencialmente, no tienen reglas (como las cosas onduladas o con forma de gota, que no se ajustan a ninguna categoría real).
5) Alineación
Piensa en la alineación como en un eje invisible que atraviesa los elementos y los conecta visualmente, ya sea por sus bordes o sus centros (consulta la imagen a continuación).
La alineación es un tema que surge con más frecuencia cuando los diseñadores debaten sobre texto y tipografía, pero es igual de importante considerar la alineación de elementos que no sean texto para crear una composición equilibrada y ordenada.
6) Contraste
El contraste hace referencia a la yuxtaposición de elementos claramente diferentes entre sí (grande vs. pequeño, luz vs. oscuridad, etc.) para crear un interés visual o atraer la atención hacia determinados elementos.
Sin contraste, nuestros diseños no solo son apagados y aburridos, sino también difíciles de entender. La falta de contraste suele ser lo que diferencia un trabajo de diseño mediocre de los diseños de aspecto profesional, pulido y claro.
Considera las siguientes imágenes como ejemplos: en la imagen de la izquierda, no hay suficiente contraste entre la foto de fondo del hombre que está trabajando en un escritorio y el texto blanco. No resulta agradable a la vista y el mensaje es difícil de comprender. En la imagen de la derecha, se oscureció el fondo para crear más contraste y facilitar la lectura del texto.
7) Espacio
El espacio es exactamente lo que parece: las áreas vacías entre los elementos de un diseño. Cuando se trata de crear diseños propios de aspecto profesional, a veces, lo que no se incluye es tan importante como lo que sí se incluye.
Al trabajar en un diseño, considera no solo los elementos que incorporas (como las imágenes y el texto), sino también cómo los ordenas y los agrupas en la composición. Puede resultar tentador rellenar cada una de las pulgadas de tu lienzo digital, pero intenta dar cierto espacio a los elementos para que respiren.
En el siguiente ejemplo, se puede ver cómo el cambio de espacio y de agrupación de los elementos crea una sensación completamente diferente en la composición. A la izquierda, el espacio uniforme entre los elementos crea una sensación de orden y seguridad. A la derecha, los distintos espacios entre los elementos crean una sensación de desorden y confusión.
Elen Winata es una directora de arte e ilustradora que vive en Singapur. Sus trabajos abarcan diferentes medios: ilustración, digital, diseño y publicidad. Después de obtener su título de Asociada en Diseño Gráfico en The Art Institute de la ciudad de Nueva York, comenzó a trabajar como Directora de Arte Jr. en una agencia de diseño local en Singapur, Kinetic. Después, estuvo una temporada como directora de arte en Tribal Worldwide. Sus trabajos son conocidos por sus líneas limpias y sus colores vibrantes, que se mantienen unidos por ideas simples pero que hacen pensar. Actualmente trabaja como freelance.
Da click en el siguiente botón para conocer más acerca de ella y sus trabajos, así como donde a trabajado en estos años narrado con su peculiar manera.
Seis semanas llevó construir esta van Volkswagen T2 en tamaño real hecha con bloques de Lego. Fue presentada en una feria de viajes y ocio en Alemania.
Conocimos su arte en Campamento Feria de Diseño Mexicano, cuando obtuvo el Premio Linterna por su Ambeam Lamps. El diseñador Marcelo Suro, mexicano, ahora estudia y trabaja en Estados Unidos, pero su carrera ya comienza a ascender por cuenta propia. México DESIGN, gracias al apoyo de Campamento (feria presente en su edición 50), entrevistó en exclusiva a una de las mejores apuestas del diseño mexicano actual:
Tu apellido nos remite al arte contemporáneo pero también al trabajo en cerámica, a la artesanía. ¿Cómo fue, creativamente, crecer en este ambiente?
Siempre ha sido un privilegio haber crecido conociendo e interactuando con artistas, diseñadores y artesanos, me emociona continuar haciendo lo que mi abuelo, mi papá y mi tío me enseñaron.
Pensando en la pregunta anterior, seguramente tu definición de diseño debe ser interesante, diferente. ¿Cómo observas y vives lo multidisciplinario?
Pienso que un buen diseño siempre debe tener en cuenta el balance entre la estética y la función, tomando elementos del arte para la estética y aprovechando los avances tecnológicos para que tenga un buen uso práctico. La discusión entre la utilidad y la estética siempre va a estar muy presente, hay diseñadores que trabajan en la frontera entre diseño y arte y otros que se enfocan más en el servicio y la función, y los dos son muy importantes.
¿Cómo fue que te decidiste por el diseño?
Desde muy chico he estado expuesto al mundo del arte y del diseño, crecí rodeado de artistas y diseñadores. Después de una gran experiencia como pasante en el estudio de Héctor Esrawe, era evidente que el diseño es lo quería estudiar.
¿Cómo surgió Ambeam Lamps?
Me llaman mucho la atención algunos arquitectos como Mies Van der Rohe que incorporan las forma de las vigas en sus construcciones sin esconderlas, y pensé que la forma de las vigas podría también retomarse en un contexto fuera de construcción y con otro material contradictorio como la cerámica.
Ambeam Lamps
¿Podrías contarme sobre tus proyectos presentes y futuros?
Siempre estoy pensando en algo más que hacer, y me gusta explorar las ideas que surgen de mis proyectos y trabajos en la escuela para producirlos en mi tiempo libre, creo que es muy importante el proceso de observar para luego idear.
Ahora estudias en el extranjero. Desde afuera, ¿cómo observas al diseño mexicano?, ¿qué del diseño mexicano se observa allí?
Creo que el diseño en México cada vez está creciendo más, me gusta ver cómo gente de mi generación está interesada en producir y comprar. Pienso que desde el extranjero se tiene la idea de que el diseño en nuestro país está limitado a la artesanía, pero espero que podamos crear una cultura del diseño en México sin hacer a un lado las tradiciones artesanales.
El Blog Cacheton 